SERIES LITTERAIRES

Critique : Tous au Larzac

Edouard Béziers — 2012-04-19T10:24:08Z

Christian Rouaud nous emmène au coeur du Larzac, à la rencontre de tous les anciens et actuels défenseurs de la région. En 1971, ces hommes et femmes contestent le projet de militarisation de la zone.

1971 : Une centaine de paysans vivent avec leurs troupeaux dispersés sur le Plateau du Larzac. Les brebis gambadent, les tirs fusent. Des commandos militaires français s'exercent dans leur base, au voisinage des fermes. Enquêtes, pétitions, plans, : le projet d'extension du camp s'impose. Une véritable milice se créé alors, bientôt rejointe par des centaines de sympathisants du pays : Les paysans du Larzac font la une des journaux.

Archives, intervenants, paysages se succèdent, et dévoilent chronologiquement une affaire méconnue de la génération 1990. Tous au Larzac, ou comment démontrer que la lutte contre le gouvernement est également possible avec des brebis, des tracteurs, des bâtons de marche et… des bulletins de vote. La durée de ce documentaire fut une prise de risque : il faut reconnaitre que le montage des paysages, interviews et images d'archives donne une tendance à se lasser rapidement. Mais ce récit, véritable biographie d'un projet polémique, reste cependant fluide, et l'attention du spectateur est régulièrement attirée par des événements coups de poing, tels le plastiquage d'une maison, ou le débarquement silencieux d'une foule de bottes en caoutchouc à Paris.

L'affiche provocatrice, oscillant entre douceur, nature et combat- et ce sont bien les éléments retrouvés dans le film – éléments apparaissant symboliquement sous les traits d'une brebis aveuglée par un casque façon Full Metal Jacket. On s'attendait peut-être à un documentaire davantage engagé, ou à un engagement plus visible rythmiquement. Le rôle du film est de faire passer un message, et Tous au Larzac, malgré ses quelques maladresses, répond à ce critère.

Millenium, une adaptation américaine

Lucile Béranger — 2012-04-19T10:08:24Z

Une adaptation suédoise ne suffisait pas. David Fincher nous a offert sa propre vision du best seller de Stieg Larsson. Pour ou contre ?

Pour

Le démarrage du film. Le générique underground, court métrage à lui tout seul, esthétiquement impeccable.

La musique. Trent Reznor et Atticus Ross ont concocté une bande son décapante. Le personnage de Lisbeth Salander n'y est pas pour rien. Ces éléments pourraient parfaitement lui coller à la peau tel son « dragon tattoo ».

Le casting. Daniel Craig, britannique à l'allure suédoise qui nous fait oublier James Bond. Il incarne un Mikael Blomkvist qui, dans l'adaptation, est moins réticent à se pencher sur le cas Harriet Vanger.

Rooney Mara méconnaissable, en une Lisbeth Salander parfaitement asociale. Mais pourquoi donc avoir rajouté une fragilité que l'on ne trouvait pas dans le livre ? Pourquoi donc lui avoir mis dans les mains une carte de Noël sur laquelle figure de mièvres chevaux ?

Contre

L'adaptation d'un livre au cinéma demande forcément des coupes, des passages délibérément oubliés, occultés voire modifiés.

Beaucoup d'éléments n'ont pas été traités. Dans le film, aucune trace du perfide Janne Dahlman, pas de relation sexuelle avec Cécilia, pas de mention du pasteur, pas de retraite à Sandhamn, on voit peu Armanskij, pas de mention de la mère et de la sœur de Lisbeth et enfin, Mikael n'est pas allé en prison.

Le film modifie un peu l'histoire : pas d'Australie pour Harriet, peu de mention de la chute de Wennerström,…

Quand on lit et apprécie un livre, il est frustrant de voir que des passages ont été supprimés. Mais si le film avait scrupuleusement respecté l'histoire originelle, il aurait sans doute été plus long qu'un hiver suédois.

Le seul reproche que l'on peut faire à David Fincher est la façon qu'il a choisi de traiter l'histoire de Harriet Vanger. L'éleveuse de mouton, à la tête d'une exploitation australienne internationalement reconnue est devenue, dans le film, conseillère financière londonienne. Cet aspect est d'autant plus frustrant qu'il représente l'intrigue principale du livre.

On sort du film avec un avis mitigé, heureux de voir ce qu'en a fait l'excellent David Fincher. Transporté par l'ambiance, jusqu'à cette fameuse révélation. Dur de se concentrer sur la fin du film, sur la chute de l'empire Wennerström et sur l'escapade suisse de Lisbeth, tant le dévoilement de la vraie identité de Harriet est décevant.

L'oiseau

Jérémy James — 2012-04-19T10:08:10Z

Critique de nouveau film d'Yves Caumont, portée par Sandrine Kimberlain.

Anne est seule. Une solitude absolue. Sa vie est monotone, ennuyeuse. Elle n'a pas d'amis, pas d'amour ni de compagnie. Et elle ne semble même pas en vouloir. Mais un jour, cette monotonie est remise en cause par le bruit d'un oiseau coincé dans le mur de son appartement, mettant fin à une routine pesante. Un nouveau départ ? Le réalisateur, Yves Caumont dresse à travers le personnage de Sandrine Kimberlain le portrait d'une femme qui essaie de vivre avec le poids de la perte d'un enfant.

L'oiseau est un de ces films qui nous fait réfléchir à travers des métaphores mystérieuses. Le spectateur doit lui même faire son interprétation en observant un geste, un regard ou une parole. Le rôle des acteurs est donc prépondérant et ils s'en sortent plutôt bien, Sandrine Kimberlain en tête de liste. La simplicité semble être le maître mot du réalisateur. Alors certains diront que cette simplicité rend le film émouvant et rempli de pudeur. Pourtant, trop de sobriété peut aussi rapidement laisser place à l'ennui. L'atmosphère devient pesante et manque de relief. Le scénario est lent, le spectateur n'a rien de passionnant à se mettre sous la dent et attend que le film démarre enfin. En vain. Le pari de la réalisation était risqué, certes, mais demeure sans surprise. Reste Sandrine Kimberlain, idéale dans cette interprétation à fleur de peau. L'actrice joue sur sa fragilité et son charisme, relevant le résultat d'un film un peu trop pâle qui ne réussit pas à prendre son envol.

Les glaneurs et la glaneuse

Valérie Pérez — 2012-02-20T08:47:26Z

Séance du 20 février 2012.

Pistes par groupe de travail

Le genre documentaire :

Dans Les glaneurs et la glaneuse, comment peut-on définir l'approche du genre documentaire d'Agnès Varda ?

Au début du film, le genre documentaire s'affiche pleinement : très gros plan sur les encyclopédies, lecture de la définition du verbe « glaner » et du substantif « glaneur ». Les plans se succèdent pour montrer le passage du dictionnaire au musée. Comme dans l'incipit d'une œuvre littéraire, le début du film donne le ton et semble situer l'œuvre dans un genre précis :

Le rôle du tableau/ des tableaux :

Il sert de point de départ, de référence culturelle et picturale : les images d'Agnès Varda imitent et prolongent les œuvres de Millet, de Jules Breton, et d'autres encore. Les œuvres picturales sont des objets du film, à la manière d'un palimpseste bien visible, qui se montre ça et là.

Ce n'est pas seulement l'exclusion des personnes qui est filmée, mais aussi celle de l'art, comme Le rappel des Glaneuses, figurant au musée d'Orsay, mais dans un lieu qui le rend invisible, et aussi Les glaneuses fuyant l'orage, caché lui aussi, dans la réserve, et sortant de sa réserve grâce au film d'Agnès. Les tableaux rejetés des salons, les peintres oubliés depuis plus de trente ans sortent de l'ombre, de l'anonymat, comme Claude M. et les autres. Les Glaneurs et la glaneuse montre toutes les exclusions, les met sous les yeux du public, en souligne la beauté, la révèle au monde.

Agnès Varda nous amène progressivement à ces comparaisons. Il y a d'abord les tableaux et ces gens réels glanant dans les champs. Puis les glaneurs urbains « se baisser mais pas s'abaisser » dit une des chansons du film. Le pouvoir d'évocation de l'image fait passer la réalisatrice des mains des glaneurs à ses propres mains : elle commente le passage du temps, il atteint la main, comme les tableaux, qui, eux, peuvent être restaurés. Ils annoncent les nervures de la peau de la pomme de terre qui décorent la maison d'Agnès : on y voit les rides et les taches, marques du temps qui passe. Car le temps est bien aussi une des préoccupations de la réalisatrice, qui revient, Deux ans après, sur son film et les gens qui l'ont peuplé.

Le temps et les lieux

Agnès Varda montre son cheminement en voiture. Les camions, comme le temps, passent, elle essaie de les retenir dans une main devenue objectif de caméra. Mais ce qui est en mouvement ne peut être gardé, même le temps, lorsqu'il semble arrêté par une horloge sans aiguille.

Dans Le point de vue, (édition Cahiers du Cinéma, collection Les petits cahiers, Scéren-CNDP) Joël Magny oppose le temps du cinéma et celui de la peinture : « on peut passer plusieurs heures devant un tableau d'histoire (…), mais même les films « longs » ne durent que le temps de la projection. Delacroix devait faire tenir un récit complet en une image fixe alors que le cinéma dispose d'un certain temps et même bientôt d'un temps certain pour développer cette même histoire. Très vite, une image de film n'est plus un « tableau », mais un instant, qui ne tire son sens que du photogramme qui le précède et de celui qui le suit. » Les choses se passent différemment dans le film d'Agnès Varda : l'image filmique est aussi un tableau de la vie des gens.

L'engagement : Engagement d'Agnès Varda : montrer la misère et le gâchis, contradiction absolue de notre société, et, en peinture, montrer la vie des paysans, comme par exemple le travail des femmes dans les champs. L'œuvre cinématographique, elle aussi, dit la condition paysanne.

Images fixes et images mobiles :

Paysages : Clin d'œil à Van Gogh : les tournesols.

« La peinture de plein air » dans le film/ dans les tableaux :

« L'emploi du terme "paysage" ne se justifie pleinement que lorsque le site figuré, non seulement occupe une place prépondérante dans l'espace du tableau en présentant une vue d'ensemble, mais surtout constitue le sujet principal de l'œuvre au lieu de n'en être que le cadre, le contexte, voire seulement le décor. » (Fiche musée d'Orsay). Charles Baudelaire en 1859 parle, dans le chapitre du Salon qu'il lui consacre, du paysage étudié pour lui-même comme d'un "genre inférieur", et du "culte niais de la nature". « Le recours au paysage répond à des intentions fort diverses ; à la primauté accordée aux sensations visuelles immédiates, aux variations et aux reflets de la lumière, succède dans les deux dernières décennies du siècle une conception nouvelle du motif. Celui-ci n'est plus considéré comme un sujet à imiter ou un spectacle à "exprimer", mais comme un point de départ pour un usage plus autonome des moyens picturaux. La couleur et la touche notamment sont chargées de construire l'espace, le relief et les volumes, en appelant l'active participation du spectateur quant à l'interprétation figurative de l'œuvre. » (Fiche musée d'Orsay).

»L'extrême diversité des approches du paysage par des artistes aux styles souvent fort éloignés » (fiche musée d'Orsay).

Techniques picturales/ Techniques cinématographiques : mettre l'accent sur l'outil : « les œuvres impressionnistes, qui privilégient les apparences sensibles, ne sont nullement pour autant plus fidèles à la vision humaine ou plus proches d'une perception spontanée de la réalité extérieure ; avant tout, elles accomplissent la remise en cause - déjà entamée durant la première moitié du siècle - des codes traditionnels de la représentation au bénéfice d'une mise en évidence accentuée des matériaux avec lesquels le peintre travaille : pâte colorée, brosses, surface de la toile, ainsi que de l'acte de peindre lui-même : gestes, marques et traces. » (Fiche musée d'Orsay).

Les natures mortes : dans le film d'Agnès Varda, plusieurs gros plans, arrêts sur image des pommes de terre : fraîchement ramassées, puis en train de pourrir, pour faire un parallélisme avec la peau des mains de la réalisatrice : couleur et flétrissure de la peau. Filmer un sujet pour parler de soi. Remplace la description. On étudie la composition d'un tableau de la même manière qu'on peut étudier celle d'un plan de caméra.

Les natures mortes du film : « filmer d'autres végétaux qui me plaisent »

Les personnes / personnages du film :

Ce ne sont ni des acteurs, ni des personnages, mais ils passent parfois dans l'une ou l'autre de ces catégories.

L'étude des personnes du film se fera à travers leur traitement cinématographique.

Les personnes filmées ne sont pas des comédiens mais ils deviennent des personnages par le regard du cameraman qui les rend acteurs de la situation qu'il filme. C'est particulièrement vrai dans le film d'Agnès Varda : on y voit son regard sur le monde et son regard sur elle-même. La technique de la « caméra à l'épaule » permet à la cinéaste de faire ces plans qui épousent le regard : voir par exemple la scène où elle lâche le blé pour dévoiler la caméra : le film porte aussi sur l'outil de la création, à la manière des impressionnistes pour qui la peinture, en tant qu'outil et matériau fait l'objet de l'œuvre au même titre que le sujet peint.
Ce format permet également au cinéaste d'être en empathie avec les gens filmés. Cette relation à l'autre, comme la relation à soi, doit être étudiée, par exemple dans la séquence consacrée à Claude M., chap. 12, du DVD.

Comment la cinéaste dénonce t-elle l'exclusion et la pauvreté ?

Le cheminement solitaire de Claude : il se dirige vers le tas de pommes de terre pour aller glaner ce qui en fait a déjà été rejeté. On verra par la suite avec les plans consacrés aux poubelles qu'il ne consomme que ce qui est rejeté par une société dont il est lui-même exclu. Ce documentaire engagé montre l'homme dans son milieu : champs, bord de route, caravane (l'extérieur puis l'intérieur), les poubelles.

On peut étudier les plans et leur fonction : ils montrent le point de vue de la cinéaste et créent, progressivement, une empathie avec la personne filmée :

• plan général : vue sur le tas de pommes de terres, qu'il faut situer dans le cadre en arrêt sur image. Crée un effet d'attente : le champ est vide. La portion d'espace filmée est limitée, donc implique forcément un choix. Idem pour le plan où l'on voit d'abord le camion, puis Claude, marchant sur le bas-côté. On peut aussi comparer au travelling avant, dans la voiture, lorsqu'Agnès Varda arrive aux vignes.

• Plan d'ensemble : Claude M. arrive, il alors cadré en pied, il entre dans le champ de la caméra : la cinéaste utilise le hors-champ pour dramatiser l'arrivée de l'homme, simuler la spontanéité de son arrivée près du tas de patates. La personne devient presque un personnage. La cinéaste tend à confondre le point de vue du spectateur et le sien. Ce point de vue crée des effets de réalisme, renforçant ainsi le caractère documentaire de ce film.

• Plan américain (coupé aux genoux) : premier contact avec Claude sur le sujet du glanage. A l'inverse de ce qui se passe dans le cinéma de fiction, la personne filmée, Claude, regarde la caméra pour répondre aux questions de la réalisatrice. Regarder la caméra équivaut à regarder le spectateur, donc à l'intégrer au cœur de l'histoire de Claude, tout en affichant clairement le point de vue adopté, qui est celui de la réalisatrice. Le point de vue s'inscrit dans l'image, qu'elle soit cinématographique ou pas. Ici, il devient regard sur la misère humaine, et c'est un regard franc : Varda regarde la misère en face et le spectateur est contraint d'en faire de même, il est impliqué dans ce regard.

• Changement de point de vue : on étudiera comment on passe du point de vue de la réalisatrice à celui d'une personne filmée. Cela se produit lorsque la voix off est celle de la personne interrogée, et non plus celle d'Agnès Varda. On peut donc analyser la fonction de la bande son par rapport aux images filmées ; rapprochement possible avec des illustrations de bandes dessinées par exemple, pour initier cette étude.

étude de l'affiche du film

Décryptage. La photographie des patates renvoie d'abord au glanage. L'élément mystérieux, pour qui n'a pas vu le film, est la forme de ces patates en cœur. On nous parle, dans ce titre, de personnes, des glaneurs, une glaneuse, et l'on voit l'objet de la récolte. C'est bien le glanage au sens propre qui semble envisagé, qui fait le lien entre le titre et l'image. Le fond de l'affiche est également intéressant. La couleur marron est sans doute celle d'un carton. On voyant le film, on pourra rapprocher le carton de l'affiche à ceux qui jalonnent le sol des marchés, après les ventes. Les cartons se trouvent aussi dans les poubelles. Il sert de contenant, mais il est aussi un déchet que l'on jette. Un symbole du gâchis ?

Décoder l'affiche, analyser le rôle des symboles, repérer les informations.

• la composition de l'affiche : place et fonction de chaque élément ;

• symbolique de l'image : la patate en forme de cœur, symbole du film, des glaneurs, de l'acte de filmer, des « restau du cœur », mise en valeur d'une technique de cinéma : le très gros plan ; confrontation de ce gros plan avec les autres gros plans du film. Rapprochement avec la peinture : la nature morte.

En bref : ce qui est intéressant, dans cette affiche, c'est qu'elle ne dit pas grand-chose du sujet du film à qui ne l'a pas vu. Elle joue sur les symboles.

Les mots de l'affiche :

Le titre, qui évoque le motif pictural des glaneuses de la fin du XIXème siècle. La mention « un film d'Agnès Varda » joue sur la célébrité de la réalisatrice. En revanche, aucun acteur n'est mentionné, et l'on ne sait pas encore pourquoi. Le mot « film » ne dit rien du genre documentaire de l'œuvre.

Nous l'Aveyron Révolté

Thomas Flavin — 2012-02-20T08:41:41Z

C'est sur les plaines du Larzac que Christian Rouaud nous fait revivre l'un des faits marquant du 20éme siècle, la révolte du monde paysan face à l'état. Au travers d'interviews et d'images d'époque, l'histoire nous est conté de la déclaration du projet de Valérie Giscard d'Estaing à son abandon par François Mitterrand. Chronique de dix ans de combats et de solidarité, âme de cette œuvre militante.

Arizette, Christiane, Pierre, Léon, José et bien d'autres nous retracent le déroulement de leur lutte face à la volonté présidentielle de les chasser de chez eux, si au premier abord la linéarité chronologique des séquences du documentaire paraît manquer cruellement d'originalité, cela s'efface très vite face au charme de nos interlocuteurs. Attachants tant par leur apparence que leur esprit, le spectateur se laisse vite entrainer dans le récit et partage sans retenue le sentiment d'injustice et la volonté de révolte, qui fait suite à l'intention des hautes instances d'expulser ces Hommes de leur terre pour y implanter une base militaire. L'alternance de séquences proposées entre interviews au cœur de la nature sauvage du Larzac et documents historiques proposant de replonger au cœur de ces années de trouble, rythme le film et capte sans relâche l'attention d'un spectateur solidaire, qui prit dans une empathie profonde avec les agriculteurs et éleveurs menacés, se serait bien vu dans leurs rangs monter à la capitale pour faire paitre ses brebis sur le Champ de Mars. Le courage et l'intelligence organisationnelle des leaders du mouvement protestataire est magnifiquement traduit par les images de Christian Rouaud. Les scènes de liesse populaire nous plonges directement au cœur du « Woodstock aveyronnais » et la guerre psychologique menée avec les soldats venus investir les lieux, provoque un profond sentiment de satisfaction, tant les séquences à l'écran prouve la volonté de résistance des autochtones et la « subtilité locale » de leurs actions.

Un documentaire enthousiasmant et sincère, qui ravira tant les personnes au fait de ces événements que ceux qui les découvrirons. A l'heure ou les révoltes face aux abus de l'état s'essoufflent aussi vite qu'elles apparaissent, il est certain que certaines leçons pourraient être tirées des ces hommes et femmes qui dix années durant n'ont eu de cesse de mener ce combat, leur combat. Et Christian Rouaud qui semble avoir bien saisi tant l'histoire du mouvement que les motivations nous y immerge avec une force qui est celle de nous y impliquer.

Thomas Flavin, Thomas Pigot

L'Oiseau

Ines de la Grange — 2012-02-20T08:14:04Z

Pour son troisième long métrage, le réalisateur Yves Caumon s'attaque au délicat thème de la solitude. Bien plus que la solitude banalisée des personnes seules habitant de grandes villes anonymes, le réalisateur, charentais d'origine, nous propose de suivre la vie d'Anne, tout juste séparée de son mari suite à la perte de son enfant. Le scénario ne repose donc pas uniquement sur la solitude d'Anne, interprétée magistralement par Sandrine Kiberlain, mais sur le deuil de son enfant. Anne refuse d'envisager tout attrait à la vie, seule dans son appartement bordelais elle vit comme un automate, chaque geste est programmé, des courses à l'épluchage des carottes.

Un jour, un élément vient pourtant perturber cet engrenage si bien réglé : une tourterelle s'infiltre dans l'appartement impliquant une cohabitation entre Anne et ce nouvel arrivant. Cette intrusion d'une apparente insignifiance provoque pourtant un retour affectif chez la jeune femme, l'oiseau métaphore évidente de son enfant perdu lui redonne une raison d'effectuer ces gestes quotidiens qui semblait tant dénués de sens avant.

La solitude, pourtant si difficile à illustrer est au coeur de ce film, ponctué de silence et de discrètes notes de piano. Yves Caumon réussit à ne pas tomber dans l'évidente oppression que ce film pourrait supposer. Les scènes d'extérieur (la cantine scolaire où travaille Anne, les rues de Bordeaux, l'émouvante scène du cinéma, etc) ainsi que les personnages secondaires interférant dans la vie d'Anne, de son entreprenant collègue à son ex mari respectivement interprétés par Clément Sibony et Bruno Todeschini nous redonnent un certain souffle. Utilisant un rythme volontairement lent, le réalisateur évite cependant de justesse de faire sombrer son film dans l'ennui.

La sensibilité de L'Oiseau

Oanez Le Berre — 2012-02-17T09:53:37Z

Revendiqué par l'auteur lui-même, L'Oiseau est un film lent, plat, où il ne se passe rien. Mais quelle surprise ! Oui le film est lent, sans dynamique apparente. Et pourtant ! Le troisième long métrage de Yves Caumon est une œuvre remarquable.

Il aura fallu du temps pour que le réalisateur ose mettre en scène l'histoire d'une mère seule suite à la perte de son enfant. C'est certain, il faut être touché par ce drame pour accrocher au film et à la détresse cachée de Anne, jouée par Sandrine Kiberlain. L'arrivée d'un oiseau dans son appartement nous porte au gré de la solitude d'une femme repliée sur elle-même. On virevolte avec le drame de sa vie apprenant à apprivoiser un personnage sensible et attentif à tous les mouvements de la vie. Le vol est efficace mais peut battre de l'aile lors de la scène de la baignade. La signification n'est pas évidente si on ne devine pas que l'enfant est mort par noyade. Malgré tout Yves Caumon réussi à porter à l'écran un sujet lourd de façon poétique et sans artifice. Les jeux de lumières, aussi délicats que l'ambiance sonore, nous plongent dans l'univers fragile de Sandrine.

L'Oiseau est l'histoire d'un combat avec la vie, mais également une histoire d'amour entre un réalisateur et son actrice. Yves Caumon le clame : il adore Sandrine ! On n'en doute plus. L'actrice révèle une sensibilité inouïe qui donne toute la force à un personnage débordant de calme.

L'Oiseau s'envole.

Vincent Mariet — 2012-02-17T09:53:16Z

Année de production : 2010. Date de sortie : 25 janvier 2012 de Yves Caumon, avec Sandrine Kiberlain, Clément Sibony.

"L'Oiseau" est l'archétype du film fragile dont le propos très distancié peu effrayer un public nourri de comédies faciles ou de polars pétaradants. Ici, tout est subtilité, fragilité, délicatesse. Nous suivons sans relâche, Anne (Sandrine Kiberlain) jeune femme qui, d'un premier abord, semble tout à fait normale, se rendant à son travail dans un restaurant de Bordeaux. En réalité, elle communique peu avec ses collègues de travail. Elle habite seule dans un appartement assez miteux où elle s'enferme dans une routine ordinaire seulement perturbée par des bruits étranges. Petit à petit, nous apprendrons quelques bribes de son passé, un deuil qui la ronge de l'intérieur. Responsable des bruits récurrents, un oiseau viendra lui tenir compagnie et l'aider à refaire surface. Avec un minimum de dialogues, de personnages mais grâce à une caméra sensible et au jeu subtil de Sandrine Kiberlain, habitée par le rôle, le charme peu opérer et raisonner longtemps après la projection. Cependant, on pourra être irrité par tant de lenteur, de mutisme et de non-dit. C'est un cinéma d'émotion pour public averti et exigeant. Cependant, cela reste un joli film sur le deuil, la dépression et le retour vers la lumière. Bien que flirtant dangereusement avec l'apathie, il est tout de même touchant, vraisemblablement à cause de son interprète principale mais aussi grâce à l'oiseau, tourterelle espiègle métaphore de la vie.

L'oiseau d'Yves Caumon

Sophie Psaïla — 2012-02-17T09:52:20Z

Anne, dans ce troisième long métrage d'Yves Caumon (Amour d'enfance en 2001 et Cache cache en 2005), c'est l'actrice Sandrine Kiberlain qui l'interprète. Pour une fois, elle ne se retrouve pas à jouer les seconds rôles non justifié de son niveau d'actrice.

Le personnage d'Anne est une jeune femme qui vit, pour des raisons que l'on ignore au début, son existence au ralenti absolu, enfermée sur elle-même. La répétition des plans qui la font aller et venir entre son domicile et son travail insiste sur ce sentiment de solitude, et le mystère persiste. La nuit, elle est régulièrement réveillée par des bruits provenant du mur. Un soir, agacée, elle prend une masse, casse la cloison et libère une tourterelle prise au piège des murs... L'arrivée du volatile donne au fur et à mesure un peu de vie dans le personnage. La réalisateur en profite alors pour disperser quelques indices laissant entrevoir un malheur passé : son enfant est mort mettant fin à sa vie de couple, et à sa vie tout court.

Sandrine Kiberlain évoque, impénétrable, la femme qui n'a plus rien à perdre ni à gagner. La caméra se pose longuement sur son visage et ses gestes. Ceci pose le poids d'une douleur latente. L'oiseau, tel un fantôme lointain de l'enfant, permettra à Anne de faire son deuil et retrouver l'envie de vivre.

Même si le ton strict et froid noie de temps à autre le scénario pourtant original, l'histoire d'Anne est prenante. Sa conclusion est pleine d'espoir et montre bien l'isolement dans lequel l'âme humaine peut s'enfermer pour guérir de ses plaies…

Bel envol pour l'oiseau !

Léa Bernard — 2012-02-17T09:51:27Z

Yves Caumont pour l'élaboration de son 3ème long métrage a choisi d'observer la solitude absolue de cette femme qui n'a plus goût à la vie depuis la mort de son enfant quelques années plus tôt. Anne n'éprouve plus rien et se contente de « fonctionner » : travailler, manger, dormir. Un jour, un oiseau entre dans son appartement et va venir bouleverser le fonctionnement habituel de cette femme fâchée avec la vie. L'oiseau c'est l'espoir, l'élément déclencheur qui l'incite à reprendre sa vie en main.

Un film qui semble indissociable de son actrice : Sandrine Kiberlain, filmée sans relâche, convaincante du premier au dernier plan.

Une belle mise en scène grâce à des jeux de lumière et une bande son privilégiant silences et discrètes notes de pianos. Un travail subtil qui tend à nous faire ressentir avec délicatesse le monde, le quotidien dans lequel vit Anne.

Le réalisateur à su aborder un thème difficile avec pudeur, sobriété et réalisme. Il réussit à nous plonger dans la vie et dans l'esprit de cette femme solitaire sans pour autant offrir beaucoup d'émotions chez le spectateur si ce n'est à la fin : l'espoir.